Harry Rowohlt im Pantheon

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Harry Rowohlt mit seiner Ehrenpreisträger-Urkunde

Harry Rowohlt mit Ehrenpreisträger-Urkunde (c) Sonja Hartl

Er würde ohnehin niemals richtig zitiert werden – außer von einem Printjournalisten aus Trier. Daher werde ich gar nicht versuchen, über Harry Rowohlts Lesung am gestrigen Abend im Pantheon in Bonn wortgetreu zu berichten. Vermutlich würde ich ihn auch nicht richtig zitieren, obwohl es viele zitatwürdige Sätze gegeben hat. Immerhin wird Harry Rowohlt mit dem Sonderpreis 2011 des Prix Pantheon geehrt, weil er „vollmundig wie ein reifer Rotwein“ sei, eine „grandiose Bühnenpräsenz“ besäße und „ein Charakterkopf, der sich mit allen anlegt, die ihm dumm kommen“ sei, „einer, der keine Kompromisse“ mache. Dieser Auszug aus der Begründung der Jury des Prix Pantheon wurde von Rainer Pause vorgelesen – und er umreißt nicht nur die Erwartungen des Publikums an die Lesung, sondern im Rückblick auch den Abend als solches.

Schon Harry Rowohlts „Anschleimphase“ (hier ist nun doch ein Zitat, aber es ist nur ein Wort!) war mitreißend: Er erzählte von seinen frühen Aufenthalten in Bonn, einem Ausflug in die Poststraße, begründete seine Alkoholabstinenz und berichtete von einer Lektorin, die ihm die Bücher von Andy Stanton mit der Frage zusteckte, ob er sie nicht vielleicht übersetzen wolle. Harry Rowohlt fand sie nach wenigen Sätzen so gut, dass er wusste, er würde sie übersetzen, und tat es auch. Die „Mr. Gum“-Bände sind im Sauerländer Verlag erschienen – und nachdem Harry Rowohlt aus ihnen gelesen hat, werden sie sicherlich nicht nur von Kindern gekauft.

Harry Rowohlt im Pantheon (c) Sonja Hartl

Ohnehin hat er für seine Verhältnisse viel gelesen, aus den bereits erwähnten Kinderbüchern, aus „Pooh‘ Corner“ und als unverlangte Zugabe aus dem Theatertext Knolls Katzen von Jan Neumann, der soeben bei dem Kasseler Literaturpreis für grotesken Humor den Förderpreis für Komische Literatur erhalten hat. Jedem vorgelesenen Text hat Harry Rowohlt eine typische Stimme gegeben und mit einer grandiosen Betonung sowie Genauigkeit vorgelesen. Daneben hat der einst so treffend „Paganini der Abschweifung“ bezeichnete Rowohlt auch viel erzählt – Anekdoten von seinen Synchronisationsbemühungen beim Film und vom Vorbild der Stimme von I-Ah (80 Prozent Georg Lenz, jeweils zehn Prozent Peter Zadek und Hildegard Knef), drei Witze und allerhand Geschichten aus seinem Leben. Er parodierte, lästerte, verteilte Spitzen gegen vorlesende Schauspieler und sang. Ich hätte ihm noch ewig zuhören können. Aber dafür gibt es ja die von mir sonst gar nicht so geliebten Hörbücher.

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Wie “A Very Private Gentleman” zu “The American” wurde

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(c) Rowohlt

Eigentlich hieß das Buch von Martin Booth mal „A Very Private Gentleman“. Dann wurde es von Anton Corbijn mit George Clooney in der Hauptrolle unter dem Titel „The American“ verfilmt und schon ist auf dem Cover neben dem Hauptdarsteller auch dieser Titel zu finden. Dabei ist die Nationalität der Hauptfigur des Romans ungeklärt: „Ich behaupte nicht, Engländer oder Franzose, Deutscher, Schweizer, Amerikaner, Kanadier oder Südafrikaner zu sein. Ich mache diesbezüglich keinerlei Angaben“, Post ist an Mr. A. Clarke, Mr. A. E. Clarke oder auch Mr. E. Clark adressiert. Deshalb nennen ihn die Bewohner des italienischen Dorfes, in dem er seit kurzer Zeit lebt, einfach Signor Farfalla – nach seinem Hobby, der Schmetterlingsmalerei. Seinen neuen Titel verdankt das Buch daher vor allem der Tatsache, dass George Clooney Amerikaner ist, und – mit viel Wohlwollen – lässt sich auch eine Verbindung zu den von Corbijn in dem Film eingesetzten Parallelen zu alten Westernfilmen erkennen.

Ich habe mich durchaus gefragt, wie Corbijn auf den Titel gekommen ist. Klar, Clooney ist Amerikaner. Aber in dem Buch wird der geheimnisvolle Protagonist einfach „Signor Farfalla“ genannt, weil er seinen Lebensunterhalt angeblich mit dem Malen von Schmetterlingsbildern verdient. Die Bewohner in dem kleinen italienischen Bergdorf nehmen zwar an, er sei Engländer, aber sie wissen es nicht, es spielt für sie wohl keine große Rolle. Da das Buch aus der Perspektive des Signor Farfalla geschrieben ist, erfahren wir nur wenig über die anderen Bewohner, ihre Ansichten und Meinungen über den Neuling. Doch als es wirklich darauf ankommt, verraten sie ihn nicht.

Das Buch hat mit dem Film nur die grundlegenden Handlungszüge gemein: Ein schweigsamer Mann kommt in ein italienisches Dorf, baut dort eine Waffe, will seiner Vergangenheit entfliehen und trifft auf einen Priester und eine Prostituierte, die ihm einen Ausweg aus seinem bisherigen Leben aufzeigen. Schon auf den ersten Seiten wird deutlich, dass es vor allem um Erlösung geht. Denn nach diesem letzten Auftrag hofft Signor Farfalla auf ein Leben ohne Waffen, ohne Töten. Doch er merkt auch, dass er von einem unsichtbaren Gegner beschattet wird. Der Roman lebt von dieser Spannung, diesem konzentrierten Duell zwischen Farfalla und seinem Beschatter. Darin sind zahllose Ausführungen über Fragen der Moral und der Ethik eingeflochten, die mal mehr oder mal weniger gelungen sind. Bisweilen sind die Überlegungen der Hauptfigur zu ausschweifend und redundant, zumal die gesamte Geschichte aus der Ich-Perspektive des Signor Farfalla geschrieben ist. Dadurch bleiben Nebenfiguren blass und unnahbar. Obwohl ich ausführliche Beschreibungen schätze und auch Booth‘s Sprache bisweilen beeindruckend fand, überlagern die Längen in der Handlung doch diese positiven Eindrücke.

Diesen Roman zu verfilmen, obwohl sich ein Großteil der Handlung in der Innenperspektive vollzieht, ist ein schweres Unterfangen. Zumal darüber hinaus das äußere Geschehen recht stereotyp ist: ein letzter Auftrag, ein Gegner, die Prostituierte und der Priester als Erlöser. Alles ist aus zahllosen Filmen und Büchern bereits bekannt.

Jagd nach dem Verfolger (c) Universal Home

Doch Corbijns Ansatz hat mich überzeugt: Er inszeniert seinen Film sehr reduziert, indem er voll und ganz auf die Bildsprache setzt. Diese Bilder haben mich oft beeindruckt, so dass ich über die Handlungsklischees hinwegsehen konnte. Die Schneelandschaft in Schweden, die labyrinthische Enge des italienischen Dorfes oder auch George Clooney auf einem Stuhl bei der Prostituierten sitzend hat Corbijn in bedrückende Bilder gefasst, die ich nicht vergessen werde. Obwohl ich mich durchaus gefragt habe, warum er sich die Kirche in den Bergen entgehen lassen hat. Denn diesen Ort hätte ich in Corbijns Interpretation zu gerne gesehen.

(c) Schirmer/Mosel

Da der Film vor allem aufgrund seiner visuellen Brillanz beeindruckt, kann ich auch nur den Bildband empfehlen, den Anton Corbijn über die Dreharbeiten veröffentlich hat! Er liefert tolle Eindrücke zu der Produktion, den Dreharbeiten und erklärt einige Einstellungen.

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Studenten-Oscar: Deutscher Kurzfilm ist nominiert

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Im Zuge meines verlängerten Osterwochenendes wäre fast an mir vorbeigegangen, dass es drei Filmstudenten aus Hamburg in die engere Auswahl für den Studenten-Oscar geschafft haben. Regisseur und Drehbuchautor Max Zähle, Producer Stefan Gieren und Kameramann Sin Huh sind mit dem Film „Raju“ im Finale vertreten.

(c) Hamburg Media School / Filmwerkstatt

In dem Kurzfilm reist ein deutsches Ehepaar (gespielt von) Julia Richter und Wotan Wilke Möhring) nach Indien, um das Waisenkind Raju zu adoptieren. Doch dann finden sie heraus, dass Raju von Kinderhändlern entführt wurde.
Die Idee zu dem Film hatte Zähle laut einem Artikel in der ZEIT nachdem durch das Erdbeben in Haiti eine Diskussion über die Adoption von Waisenkindern aus Krisengebieten ausbrach. Da habe er mit seinen Recherchen begonnen, in deren Zuge sich gezeigt habe, dass Kalkutta ein Drehkreuz des Kinderhandels sei.

Einen Trailer zu dem Film könnt Ihr auf der offiziellen Seite zum Film sehen.

Update: Am 11. Juni 2011 wurden die Studenten-Oscars vergeben und Max Zähle hat die bronzene Statueerhalten. Außerdem hat er laut SZ angekündigt, dass er aus “Raju” einen Spielfilm machen möchte – sobald “seine Akkus” wieder geladen sind.

Zweites Update: “Raju” wurde bei den Oscars 2012 als bester Kurzfilm nominiert!

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Britische Perlen – “Brighton Rock” auf DVD

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(c) Kinowelt Home

Mit seinem ersten Spielfilm „Brighton Rock“ hat sich Rowan Joffe an eine Verfilmung des Romans „Am Abgrund des Lebens“ von Graham Greene gewagt und sich um eine eigenständige Interpretation bemüht. Über den Film und das Buch habe ich bereits bei spielfilm.de und im Blog von LovelyBooks einiges geschrieben, doch hier möchte nochmals auf den wohl positivsten Effekt des Films eingehen: Dadurch habe ich die Verfilmung des Romans aus dem Jahre 1947 entdeckt, die nun auf DVD erhältlich ist.

Pinke und Rose (c) Kinowelt Home

Damals hat John Boulting den Roman verfilmt, das Drehbuch stammt unter anderem von Graham Greene. Die Handlung des Films lehnt sich eng an die Romanvorlage an: Der kleine Gangster Pinkie Brown (Richard Attenborough) ist der Anführer einer Bande von Schutzgelderpressern. Aus Rache ermordet er den Zeitungsreporter Fred, die Polizei glaubt hingegen an einen Unfall und legt den Fall zu den Akten. Aber die resolute Ida (Hermione Baddeley), die kurz vor Freds Tod mit ihm zusammen war, zweifelt an dieser Version und will auf eigene Faust die Wahrheit herausfinden. Die naive Kellnerin Rose (Carol Marsh) erweist sich als Schwachstelle, sie könnte das Alibi von Pinkies Bande zu Fall bringen. Also will Pinkie sie mit einer Heirat zum Schweigen bringen.

Heimgesucht von Sünden (c) Kinowelt

Schon der US-Titel des Films – „Young Scarface“ – verweist auf die Verwandtschaft zum film noir. Tatsächlich ist Boultings Film für das europäische Kino dieser Zeit ungemein düster und brutal, er braucht den Vergleich mit amerikanischen Produktionen nicht zu scheuen. Obwohl er nicht in einer großen Stadt, sondern in dem Seebad Brighton spielt, fasst er die kalte, nasse Atmosphäre typischer noirs ein. Der Anti-Held Pinkie ist mit seinen „alterslosen Augen“ und psychopathischen Zügen ein faszinierender Protagonist, Hermoine Baddeley als Ida Arnold ist mit diesem Lachen ebenso unvergesslich. Sicherlich hat der Film wie der Roman im letzten Teil seine Schwächen, hier vernachlässigt Greene den Thriller-Plot und konzentriert sich auf die Beziehung.

Lichtsetzung auf der Treppe (c) Kinowelt Home

Aber gerade in der Verfilmung geht der noir-Stil mit Graham Greenes Roman eine bestechende Symbiose ein. Greene glaubte an Sünde, Erlösung und die Hölle, sein Pinkie verkörpert all das Böse, seine Rose all das Gute des Diesseits. Im Film verdeutlicht insbesondere die Lichtsetzung, die Schatten auf der Treffe und das Ende am dunklen Pier diesen Konflikt zwischen religiöser und weltlicher Moral, die von Ida einnehmend verkörpert wird. Leider ist das Ende des Romans im Film deutlich abgeschwächt, wer den Roman aber nicht kennt, wird vom der Schlusspointe angetan sein. Nur für den Leser bleibt hier der Gedanke, wie wertvoll ein offenes Ende sein kann.

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Literaturverfilmung in 3D – “Der große Gatsby”

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Update 2: Meine Kritik zu Baz Luhrmanns “Der große Gatsby” gibt es bei kino-zeit.de zu lesen!

Passend zur der Rezension der Romanbiographie „So leben, dass ich frei atmen kann“ über Zelda Fitzgerald, die ich gerade für das Frauenmagazin ava schreibe, kursieren derzeit allerhand Gerüchte über die Verfilmung von F. Scott Fitzgeralds Roman „Der große Gatsby“. Bei mir haben die Besetzung und erste Hinweise auf den späteren Film bislang wenig Enthusiasmus, sondern eher das Gefühl ausgelöst, dass dieses Vorhaben nicht gut gehen kann. Aber der Reihe nach …

(c) dtv

F. Scott Fitzgeralds Roman ruft zweifellos nach einer Verfilmung. Er ist atmosphärisch dicht, zugleich zynisch, mit mehrdeutigen Charakteren ausgestattet, außerdem bietet die Geschichte eigentlich alles, was einen guten Film ausmacht. Dennoch er ist unglaublich schwer zu verfilmen. Der Roman lebt von Fitzgeralds kühlen, scharfen Stil, der die luxuriösen Handlungsorte kontrastiert. Und vor allem ist der Protagonist Jay Gatsby ebenso einzigartig wie schwer zu fassen.

(c) Paramount Home Entertainment

Von den insgesamt fünf Verfilmungen kenne ich nur Jack Claytons Version aus dem 1974, die unter anderem an diesem Punkt misslang. Obwohl Robert Redford als Jay Gatsby auf den ersten Blick als gute Besetzung anmutet, hat er weniger die Rolle als sich selbst gespielt. Auch Mia Farrow konnte mich wenig überzeugen, so dass der Film eigentlich nur mit seinem eleganten Set- und Kostümdesign punkten konnte.

Nun nimmt sich Baz Luhrmann den „großen Gatsby“ vor, der für mich bislang vor allem für opulente Ausstattung und tollen Soundtrack steht. In „William Shakespeares Romeo + Julia“ hat er das Drama mit vollem Einsatz modernisiert und mir hat das Ergebnis zumindest damals gefallen. Auch sein „Moulin Rouge“ war durchaus unterhaltsam – von „Australia“ rede ich jetzt hier mal nicht. Luhrmanns Filme waren bislang vor allem bunt und oberflächlich. Dass dem „großen Gatsby“ ähnliches widerfahren wird, lässt schon die Ankündigung einer 3D-Verfilmung vermuten. Denn auf Anhieb fällt mir eigentlich keine Szene in dem Roman ein (oder die man dafür entwickeln könnte), die 3D erforderlich machen würde. Wenig Begeisterung löst auch die Besetzung aus: Leonardo DiCaprio als Jay Gatsby, Tobey Maguire als Nick Carraway und Carey Mulligan als Daisy Buchanan sind allesamt für ihre Rollen typgerecht ausgesucht, große Überraschungen versprechen sie aber nicht. Also bleibt mir vorerst nur die Hoffnung, dass sich alle meine Erwartungen nicht erfüllen werden …

Update: Mittlerweile ist der erste Trailer aufgetaucht, der einen opulenten Film verspricht – wenngleich die Musik irritierend ist:

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IFFF 2011 – Argentinische Filmemacherinnen in Dortmund

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(c) Ebele Okoye / Fin Film

Endlich habe ich es gestern zum Internationalen Frauenfilmfestival nach Dortmund geschafft und bin nach einer kleinen Irrfahrt durch die Dortmunder Innenstadt in der Schauburg gelandet. Dort liefen zwei argentinische Filme, auf die ich sehr gespannt war: der Dokumentarfilm „Open Sky“ von der Inès Compan und das Drama „The Fly in the Ashes“ von Gabriela David.

In „Open Sky“ erzählt Regisseurin Inès Compan von dem Kampf der indigenen Kolla-Bevölkerung, die unversehens ins Zentrum der internationalen Rohstoff-Verteilungskämpfe geraten ist. Die Kolla leben im ländlichen Nordwesten Argentiniens in der Puna-Hochwüste. Ihre Lebensgrundlage bestreiten sie vor allem mit Landwirtschaft und der Zucht von Lamas und Chinchillas. Aber die Puna birgt auch ein großes Metallvorkommen, das von der kanadischen Firma Standard Silver abgebaut werden soll. Die Silbermine gefährdet die Umwelt und das Leben der Kolla, die von ihrem Land aber nicht weichen wollen. In dem Film wird deutlich, dass die Rechte der Kolla ignoriert werden – oder sie mit leeren Versprechungen beschwichtigt werden. Zu Beginn des Films errichten sie sogar eine Straßensperre, um den Weiterbau eines Schulgebäudes durchzusetzen. Aber die Kolla geben nicht auf und stehen für ihre Rechte ein. Dabei mutet der Gegensatz zwischen dem Profit, den die Silbermine erwirtschaften soll, und der Armut der Kolla schon absurd an. An manchen Stellen hätte ich mir dennoch mehr Kommentare der Filmemacherin gewünscht. Wer sich aber mit Ruhe und Geduld auf den Film einlässt, bekommt gute Eindrücke von einem Landstrich, der hierzulande kaum bekannt ist.

Gabriele David (c) IFFF Dortmund|Köln

Anschließend lief ebenfalls in der Schauburg der Film „The Fly in the Ashes“ von der kürzlich verstorbenen argentinischen Filmemacherin Gabriela David. Der Film wurde von ihren Ehemann Enrique Angeleri vorgestellt, der als ausführender Produzent und Cutter an „La mosca en la cenzia“ beteiligt war. Er erzählte, dass eine Zeitungsmeldung über die Flucht einer Zwangsprostituierten Ausganspunkt des Films war. Gabriela David erstaunte, dass das Bordell, in dem die Mädchen festgehalten wurden, in einer bürgerlichen Mittelschichtsiedlung lag – und keiner etwas gesehen haben wollte. In ihrem Film erzählt sie nun die Geschichte von Nancy und Pato, die ihr Dorf in der Hoffnung auf eine Anstellung als Hausmädchen in Buenos Aires verlassen. Aber sie finden sich eingeschlossen in einer Wohnung wieder, in Männer für Sex mit ihnen 50 Pesos Sex zahlen. Während sich die zurückgebliebene Nancy in diese Umgebung einfügt, rebelliert Pato fast bis zur Selbstzerstörung.

Nancy und Pato (c) IFFF Dortmund|Köln

Der sehr gute Film besticht meines Erachtens erstens durch die guten Hauptdarstellerinnen Paloma Contreras-Manzo und Maria Laura Caccamo, zweitens durch die Bildsprache, die die klaustrophobische Enge in der Wohnung sehr eindringlich deutlich macht, und drittens durch das Aussparen der expliziten Darstellung von Gewalt. Stattdessen erzählt Gabriela David mit viel Ruhe eine Geschichte über eine außergewöhnliche Frauenfreundschaft und das Wegsehen einer Gesellschaft.

Dieser eine Tag auf dem IFFF hat mal wieder gezeigt, dass für gute Filme nicht zwangsläufig viel Geld erforderlich ist – und dass es viel zu viele Filme gibt, die es kaum in ein „normales“ Kino schaffen werden. Aber das sind genau die Gründe, weshalb ihr Festivals besuchen solltet!

Update: „La mosca en la ceniza” (“The Fly in the Ashes”) wurde am Sonntagabend mit einer lobenden Erwähnung von der Jury des IFFF geehrt. Den Preis vergaben die Schauspielerin Maren Kroymann, die US-amerikanischen Bloggerin Melissa Silverstein und die Niederländerin Claudia Landsberger, Leiterin von EYE International, an den griechischen Film “Attenberg”.

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Cannes 2011 – Die Wettbewerbsfilme

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Gestern wurden die Filme bekanntgegeben, die beim Festival in Cannes im Rennen um die Goldene Palme sind – und der Wettbewerb ist erfreulich vielfältig!

Mit Spannung werden die neuen Filme von drei großen Namen erwartet: Pedro Almodóvar stellt seinen neuen Film „Die Haut, in der ich wohne“ vor, Lars von Trier wartet mit „Melancholia“ auf und Terrence Malick zeigt seinen mit Sean Penn und Brad Pitt prominent besetzten Film „The Tree of Life“. Daneben gehen noch Takashi Miike mit „Hara-Kiri: Death of a Samurai“, Aki Kaurismäki mit „Le Havre“ und Nicolas Winding Refn mit dem Actionthriller „Drive“ an den Start.

Auch zwei weniger bekannte Regisseure haben eine Chance auf die Goldene Palme. Der türkische Regisseur Nuri Bilge Ceylan ist mit „Once Upon A Time In Anatolia“ vertreten. Überraschend ist zudem der Österreicher Markus Schleinzer mit seinem Debütfilm „Michael“ im Hauptwettbewerb dabei.

Deutschland wird von Andreas Dresen („Sommer vorm Balkon“, „Wolke 9“) vertreten, dessen neuer Film „Halt auf freier Strecke“ in der Sektion „Un certain regard“ gezeigt wird. Dort läuft unter anderem auch „Restless“ (mit Mia Wasikoswka und Henry Hopper in den Hauptrollen) von Gus van Sant. Damit auch ausreichend Stars an der Croisette vertreten sind, laufen mit „Der Biber“ und der vierte Teil von „Fluch der Karibik“ gleich zwei prominent besetzte Filme außerhalb der Konkurrenz. Eine komplette Übersicht zu allen Wettbewerbsfilmen ist hier zu finden.

In diesem Jahr ist es gelungen, eine gute Mischung verschiedener Genres und bekannter bzw. weniger prominenter Namen zusammenzustellen. Sogar – und leider ist dies immer noch erwähnenswert! – die Frauenquote ist bemerkenswert: Mit Naomi Kawase, Julia Leigh (Trailer zu “Sleeping Beauty”), Maïwenn und Lynne Ramsay sind vier Regisseurinnen in Cannes mit ihren Filmen im Rennen. Und so bleibt mir nur noch das Bedauern, dass ich nicht in Cannes sein werde.

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